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Atelier de las imágenes /Poéticas del imaginario Gaston Bachelard




Me atrevería a sostener que la imaginación creadora es la más elevada función de la psique. La conciencia, el inconsciente, los estados d ensoñación, son ante todo imágenes proyectándose en la oquedad de la mente. Hagamos lo que hagamos, pensemos en lo que pensemos siempre habrá imágenes revoloteando en nuestra mente. Es una tendencia natural de la psique dar una forma o una sensación a cada hecho mental. La imaginación realza -o puede entorpecer- con sus deslumbramientos las sendas de una inteligencia. Entonces el pensamiento sueña, la razón y el sentido común ceden ante la fascinación de la insignificancia de una imagen sencilla. Para que la razón recobre su poder constitutivo, su dominio, deberá censurar toda elucubración que provenga de las imágenes y vigilar toda idea seducida por la experiencia mediadora de una imagen.

Pero no vamos a detenernos aquí tan solo en hablar de imágenes, sino de imaginación: movimiento, metamorfosis, ausencia, dinamismo de imágenes. Vamos a estudiar aquella imaginación que profundiza en los orígenes del ser. Vamos a adentrarnos en los misterios de la imagen cuando emprendemos un decurso de ahondamiento o de excavación. Siempre po la pendiente que se adentra en lo remoto, en lo primero, hacia lo que es pleno en su inocencia. Es por la imaginación que la psique accede al remoto instante de una inocencia primigenia, una ingenuidad recobrada, donde las imágenes surgen del manantial arquetípico de la lengua. La imagen poderosa, resonante, es siempre infantil, mítica. Justo en esa zona profunda donde lo familiar y lo vivido se entrevera con lo inmemorial.

La historia de occidente durante siglos ha desterrado la imaginación acusándola de ser tributaria del error y de la especulación fantasiosa. Si no hubiera dado el arte o la poesía testimonio de las creaciones de la imaginación hubiera sido cercada a la locura. De este modo, es curioso observar como la palabra imaginación desaparece comúnmente de los discursos del arte y de la pedagogía en general. La imaginación es la gran dama desdeñada. Pero, ¿sabemos qué es la imaginación? ¿Sabemos cómo suscitarla y orientarla hacia una creación genuina? ¿Qué herramientas aplicamos para estimularla? ¿Qué diferencias existen según tome un cauce de expresión u otro?

Nuestra propuesta con este centro de recursos del imaginario es ofrecer poco a poco una perspectiva amplia sobre todo lo que se haya podido decir de la imaginación. Lo haremos desde tres niveles y en orden de profundidad y acceso a la imagen poética: desde la psicología, el psicoanálisis, y por último, la fenomenología. En un primer momento nos vamos a dirigir a la obra de uno de los filósofos que mejor ha comprendido y estudiado el acto imaginario: Gaston Bachelard. Su obra es para nosotros un gran pilar en todo estudio que verse sobre el imaginario, y es por esta razón, que este centro va a emprender una exégesis en profundidad de su obra. El estudio y comprensión de sus matices nos parece capital. Retomamos aquí nuestro proyecto académico de tesis doctoral cuya metodología basada en la obra de Gaston Bachelard nos servía de guía por las imágenes poéticas de la obra de William Shakespeare.

Al hablar de la imaginación nuestros objetos predilectos podrán ser variopintos: en unas ocasiones nos detendremos en una melodía que suscita ecos del pasado, en otras, en un objeto que murmulla, miraremos tan de cerca una pintura que nos adentraremos en su interior, leeremos pausadamente una página literaria, nos encapricharemos con la silueta de una sombra, viajaremos por los meandros silábicos de un nombre, daremos testimonio de como toda cosa o ser, posee un doble en el campo de los sueños.

Una fenomenología de la imaginación tal como fue planteada en la obra de Gaston Bachelard implica en nosotros vivir intensamente las imágenes, abandonarnos a ellas con una total adhesión. Ampliando y diversificando nuestras imágenes predilectas, nuestras imágenes ensoñadas, podremos trazar poco a poco el mapa general de una cosmología de valores: una verdadera cosmografía de la ensoñación.

Pero un término como fenomenología de la imaginación puede llevarnos a cierta confusión. ¿Se puede hacer filosofía de la imaginación cuando en sí misma rehúye de la tiranía de un discurso, del pensamiento bien encadenado? ¿Se puede hacer pensamiento con algo tan delicado y evanescente como la imaginación. Defendemos que sí pero no será desde la praxis de un discurso sino elaborando un gran tapiz de suscitaciones, de sugerencias, de evocaciones. La fenomenología del imaginario se hace preguntas desacostumbradas a una filosofía tradicional: ¿Que ocurre en una conciencia cuando observa una enigmática puerta entreabierta en la oscuridad?, ¿cómo un estrecho hilo de luz de un pórtico anima en nuestra mente imágenes que no vemos pero que se presienten que están más allá cruzando este umbral? ¿Qué hace que veamos recordando a los pintores, en una penosa mancha en la pared, paisajes, animales fantásticos, batallas? ¿Que diferencia fenomenológica hay entre el tic-toc de una puerta y el sonido de un timbre en la imaginación de un dramaturgo? ¿Por qué un silencio puede ser más sugerente que un gran discurso? ¿Que hace que un objeto se electrifique con el aura de un mundo imaginado y se pueda contener un continente en una postal amarillenta? ¿Qué hace que una misma palabra declamada repercuta en la conciencia como el filo de una daga o una caricia? ¿Cómo los niños pueden representarse un viaje en un barco en su ruta por un océano con una simple y vieja silla? ¿Qué hace que los actores crean estar en el lugar de otro? ¿Qué hace que un escultor imagine las formas a través del vacío de los objetos? ¿Qué hace en la pasión amorosa, pasión dominada por la imaginación por excelencia, que alguien se enamore de otra persona que a los ojos de otra se fea y hasta horrible? ¿Por qué cuando besamos cerramos los ojos? ¿Hacia donde tienden esas valorizaciones que definen una ontología del ser por la imaginación. ¿Como la imaginación es una de las facultades preeminentes de lo humano hasta tal punto de no poder hablar de una inteligencia que no sea ella misma imaginación?

Tantas preguntas pueden salir a nuestro paso para remarcar la importancia de la imaginación en todos nuestros actos más cotidianos hasta tal punto que podemos decir que una persona sin imaginación se evidencia como una persona pobre para vivir fecundamente la realidad. La imaginación es conciencia de imaginar y como conciencia que se representa el mundo en el que vive y lo recrea completándolo siempre estará mucho más lejos, siempre hará de su objeto algo más engrandecido, hará de lo percibido algo más hermoso o más terrible.

El objetivo final será trazar los caminos de una estética comparada que enlace el placer de la lectura con la armonización de una poética de los sentidos.

El espacio de praxis que conjuntamente y más adelante genere este espacio de reflexión será, siempre lo hemos defendido, de índole teatral pues es en el teatro donde encontraremos esa sinergia de los vocablos que se pronuncian, los colores que irradian, las materias que se amasan, los espacios que se ensombrecen.

Nos es oportuno asegurar que este espacio de realzamiento de las imágenes sea teatral en dos orientaciones muy definidas: una, como poética de la sustracción y el ocultamiento -imaginar es "no mostrar, es sugerir, evocar, esconder, ocultar, vaciar, desprender, reducir"; y por otro, como poética de la exuberancia -imaginar es agrandar, exagerar, expandir, habitar todas las posibilidades de un sensualismo creciente.

Hemos denominado a nuestro centro "el establo y las estrellas" como si fuera una ocurrencia shakespeariana, un espacio donde lo más humilde se enlaza con lo más elevado. Dos personajes de La Tempestad, Calibán y Ariel, serán los dos rostros ambivalentes de la imaginación, los dos son prisioneros de la alquimia.


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Palabras clave


Palabras clave: imaginario, imaginación creadora, Gaston Bachelard, poética de los sentidos, psicología de la creatividad, teatro sensorial, heurística de la literatura, fenomenología del imaginario, fenomenología de la imaginación, gramáticas del arte, gramática de la fantasía, dramaturgia del imaginario, pedagogía de la imaginación, inteligencia divergente, estética comparada.


Mots clef: imaginaire, imagination créative, Gaston Bachelard, poétique des sens, psychologie de la créativité, théâtre sensoriel, heurística de la littérature, phénoménologie de de ce qui est imaginaire, phénoménologie de l'imagination, grammaires de l'art, grammaire de la fantaisie, dramaturgia de de ce qui est imaginaire, pédagogie de l'imagination.


Key words: imaginary, creative imagination, Gaston Bachelard, poetic of the senses, psychology of the creativity, sensorial, heuristic theater of Literature, phenomenology of the imaginary one, phenomenology of the imagination, grammars of the art, grammar of the fantasy, dramatic art of the imaginary one, pedagogy of the imagination, divergent intelligent.



Paraules clau: imaginari, imaginació creadora, Gaston Bachelard, poètica dels sentits, psicologia de la creativitat, teatre sensorial, heurística de la literatura, fenomenología de l'imaginari, fenomenología de la imaginació, gramàtiques de l'art, gramàtica de la fantasia, dramatúrgia de l'imaginari, pedagogia de la imaginació.





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Autores: Gaston Bachelard, Albert Beguin, Jean Burgos, Italo Calvino, Joseph Campbell, Henry Corbin, Robert Desoille, Gilbert Durand, Mircea Eliade, James Hillman, Jacques Launay, Carl Gustav Jung, Eugéne Minkovski, Sallie Nicols, Vladimir Propp, Giani Rodari, Marius Schneider, Etiene Sorieau, L. S. Vigotski, Mary Warnock, Jean Jacques Wunenburger.







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jueves, 23 de julio de 2009

Taller escenografía Macbeth: esculpir la oscuridad




Aullido: que el filo de la daga no corte el filo de mi llama

Invernes


Escenografía de sedas, metales y espejos: "the mirrors are abobinable"




La luz debe influir en el espectador como una música. Debe haber ritmos luminosos, y la partitura luminosa puede construirse según el principio de la sonata. Para mí no existe una definición del estilo de : azul significa luna, y amarillo significa sol. Puedo iluminar un rostro a la derecha en azul y a la izquierda en amarillo, si esto me sirve para expresar el mundo interior de los personajes. Incluso si hubiera de iluminar la punta de la nariz de un personaje, lo haría. Me gusta insistir sobre el amarillo, porque permite un mayor número de asociaciones con la luz del sol. Sirve para subrayar más el colorido optimista. Mi sueño es mostrar una noche sin azul. La oscuridad más absoluta es el máximo de luz. Que el espectador diga: “que oscuro está” cuando la luz es total. Cuando todo está oscuro, aparecen en el hombre ciertas reacciones, para escapar de las tinieblas sus ojos resplandecen más. Un perro en la oscuridad parece irradiar luz de todas las partes del cuerpo. El actor debe mostrar por sí mismo que todo está oscuro.
Meyerhold, Vasevolod. La composición espacial del espectáculo. Textos teóricos, Ade.
(Pag 334)

¿Qué oscuridad sería lo suficientemente densa para hacerle parecer menos oscuro que ella?
Koltés, En soledad de los campos de algodón. Hiru (pp 29)

No se necesita un gran esfuerzo para entender que contra un fondo negro resalta un vestuario blanco y contra un fondo claro, uno negro. Esto si se quiere dar realce a la figura o si queremos que se sumerja y se pierda en la escena

Gordon Craig, E. El Arte del Teatro. (1987): (Pag 336)

El negro tiene siempre resonancias trágicas, casi maléficas. Es el silencio sin esperanza.

Kandinsky, Vasily. Gramática de la creación, (Sobre la cuestión de la forma). Paidós, Barcelona 2000. (pp. 11)

Tomemos Macbeth. Conocemos bien el texto. ¿En qué lugar se desarrolla el drama? ¿Cómo tiene que aparecer a la fantasía antes que nada y luego a los ojos?
Gordon Craig, E. El Arte del Teatro. (1987): (pp. 77)

Me gusta, en general, inventar en el teatro cosas demoníacas, y gozo cunado logro un truco capaz de engañar al espectador.

Stanislavski, Constantin, Mi vida en el arte, Editorial Quetzal, Buenos Aires 1988. (pp.157.

Cuanto más estrecho es el hilo de luz, más penetrante es la vigilancia
Gastón Bachelar. La poética del espacio. Siglo XII. (pp.65)

¿Cuántas investigaciones fenomenológicas habría que hacer sobre las entradas oscuras!
Cuanto más estrecho es el hilo de luz, más penetrante es la vigilancia?
Gastón Bachelar. La poética del espacio. Siglo XII. (pp.167)

Es infernal el teatro. Pero de todos modos es mejor que la iglesia.
Brook, Peter. El espacio vacío (pp.35)

Macbeth es radicalmente una pieza nocturna.
Bloom, Harold. Shakespeare. La invención de lo humano. Anagrama. Barcelona.(pp 610)



martes, 21 de julio de 2009

Proyecto escénico, Hamlet: una dramaturgia de la línea






































“La vida lleva entonces nuestra imagen de espejo en espejo; somos así reflejos de reflejos y nuestro valor está hecho del recuerdo de nuestra decisión. Más, por firmes que seamos, nunca nos conservamos cabalmente, porque nunca estuvimos conscientes de todo nuestro ser”. (II: 66)

Hamlet (1600-1601) es la tragedia de un príncipe que pudo reinar. Esta es la leyenda que seguramente pueda relatarnos un anciano Horacio en el candor de una lumbre, “Ya basta. Horacio, me muero; tú vives: relata mi historia y mi causa a cuantos la ignoran” (p. 209): y comezaría de este modo…érase una vez un príncipe…. envestido con las mejores virtudes que un hombre pueda tener…Y si la escena V fuese traspuesta a la escena I, el drama de Hamlet hubiera sido un himno o una leyenda, Género dramático que sin embargo no recoge nuestro drama que es un drama de psiquismos enfrentedos en una atmósfera familiar ulcerada por rencores, secretos nunca contados y mentiras. Para un psicoanálisis atento esta obra podría representar una pugna de líbidos y como se ejecuta una castración. Pero desde una lectura, que como tal se postula como una fenomenología del alma poética, el verdadero drama se nos escapa, se desvanece con el propio Hamlet: lo que hubiera sido y lo que realmente es. El verdadero drama se encuentra, con en una gran cantidad de documentos literarios del renacimiento, en el enfrentamiento trágico entre imaginación y realidad. ¿Cómo hubiera escrito Hamlet su vida? ¿La habría escrito como idealísticamente la había soñado? Hamlet desea ser un mito de leyenda, un mito regenerador de dimensión cósmica, quiere ser un héroe del desierto, pero en cambio, es un pobre ser que cruza un desierto de cinismo. Tendría que convertirse en un bufon para poder soportar este cinismo con los instrumentos del más ácido de los sarcasmos, y sin embargo su representación teatral es una metáfora literal que solo va a provocar una concesiva indignación. Va a mostrar más que la verdad del crimen y denunciar el encubrimiento de la mentira más atroz su propia ingenuidad. Con esa representación Hamlet está ya perdido.

Pero antes diremos que Hamlet no es solamente el príncipe de Dinamarca, es el príncipe de los hombres, y no lo olvidemos, es el príncipe del teatro. La última se suele olvidar en los escenarios. Así dan testimonio sus virtudes: supremo juicio, poderosa imaginación, grácil figura, belleza de sobria elegancia, síntesis de tinieblas y de luz, locuaz y ágil orador, clarividente espíritu, maestro de actores y actor el mismo, estratega sin tregua y hábil dramaturgo, atesora la verdadera amistad en el corazón (Horacio) y no da descanso a la hipocresía (Polonio), firmeza de mando y determinación, arrojo y valentía siempre contenida por la prudencia y la templanza, equilibrio de la pasión y la razón.. Pudiéramos decir que Hamlet podría ser el candidato más idóneo para ser el perfecto Rey de un reino eterno, imagen que el mismo evoca en un verso ¡Qué obra maestra es el hombre! ¡Qué noble raciocinio! ¡Qué infinito en sus potencias! ¿Qué perfecto y admirable en forma y movimiento! ¿Cuán parecido a un ángel en sus actos y a un dios en su entendimiento! ¡La gala del mundo, el arquetipo de las criaturas! (p.110). ¿No es a él mismo a quien nos está describiendo en estos versos? Son las mismas virtudes de las que nos habla un futuro rey, Malcolm en Macbeth, “justicia, templanza, veracidad, firmeza, bondad, perseverancia, humildad y piedad, paciencia, devoción, fortaleza, valor” (p. 267). En cambio, hemos visto como el joven tronco del futuro soberano crece vigoroso en la sombra de un burdel, y la mejor educación del príncipe es divertirse con un atajo de delincuentes y borrachos de taberna. Este es el príncipe Hal en Enrique IV. ¿De quién es el retoño? ¿Del rey santo o de Falstaff?¿Y porqué Hamlet teniendo todas las mejores cualidades para ser Rey el destino le lleva a tan desastroso final? Es un muchacho ingenuo que vive la poesía de las palabras. ¿Se puede convertir a un poeta en un mentiroso? En Hamlet de forma arquetípica vuelve a repetirse una eterna leyenda: fue el ángel más bello de Dios quién cayó a la profundidad de las simas negras. Un soneto parece recoger el doloroso amor de Ofelia, el soneto X dice así:

A fe, confiesa de una vez que a nadie quieres,
Tú que eres de ti así de descuidado;
Lo más, dí que de muchos bienamados eres
Pero a que a nadie amas está bien probado:
Que estás tan poseído de mortal inquina
Que aún contra ti no dudas en tramar conjura,
Buscando de ese hermoso techo hacer ruina
Que reparar sería tu mejor procura.
Mude de idea, y pueda mi opinión mudar.
¿Tendrá el odio más bello hostal que amor gracioso?
Sé, como es tu presencia, amable y dulce al par,
O muéstrate para ti al menos generoso:
Hazte otro mismo, por amor de mí, que así
Viva hermosura o bien tuyo o bien en ti.

Hamlet recluido en la sombra se menosprecia en secreto a sí mismo, pues él mismo también forma parte de lo podrido, es hijo de una reina ramera, “Mi vida no vale para mí ni un alfiler” (p. 84). El objetivo de Hamlet no será reinar un reino ya de por sí decadente que vive los últimos estertores de esplendor, sino salvar su alma. La línea de acción preeminente es clara: Hamlet debe comprometerse en realizar la venganza sin ensuciar su alma “Más cualquiera que sea tu proceder, no ensucies tu alma” (p. 88) son las palabras que le dicta su padre desde el ultra mundo. En este sentido no estamos ante una obra, como algunos críticos nos han dicho, entre ellos tan reconocidos como GRANVILLE-BAKER, que trata de la inacción. Al contrario es una obra dramática que tiene acción pos sus cuatro costados. Es una obra a nuestro entender que se caracteriza por algo muy distinto a la inacción: la contención. La contención, bien lo saben los actores es acción pura.






Proyecto escénico, Midnight Summer´s Dream: la dramaturgia del color




VII. Midnight Summer´s dream (1595-1596)



1. Breve introducción

…Erase un vez la muy cruelísima y trágica historia de amor de Píramo y Tisbe… Midnight summer´s dream ha sido entendida siempre como una “comedia romántica y fantástica”. Nosotros querríamos incidir en su naturaleza perturbadora y telúrica, donde los hilos que tejen la acción nos adentran en los secretos de la noche, los influjos de la luna y cita a seres y espíritus sobrenaturales en un bosque mágico algo siniestro mejor caracterizados como extraños vampiros que como encantadoras hadas vestidas de tul, sino veamos como Puck advierte a Oberon, “rey de las sombras” de la llegada del día;

Puck: Señor de las hadas, hay que hacerlo presto:
El dragón de la noche ya parte el cielo
Y veo que despunta el heraldo de la Aurora,
Cuando en legión los espíritus retornan
A los cementerios. Almas condenadas
Que yacen en ríos y en encrucijadas
Han salido hacia su lecho de gusanos:
Por miedo a que el día mire sus pecados
Ellos de la luz siempre se exilian
Y buscan asilo en la noche sombría
(110)

No es que Oberon y Titania, Puck pertenezcan a esta “tenebre y desdichada” comitiva de espíritus de los muertos. Oberón nos dice que ellos son “espíritus de otro orden” (p.110). Hemos encabezado esta introducción remarcando este aspecto un poco telúrico y siniestro para apartarnos de forma muy consciente de todas esas lecturas que acentúan la línea de lo fantástico sin detenerse en esos tonos más graves y oscuros. En Shakespeare siempre encontraremos mezcla y ambigüedad. En Midnight summer´s dream hay abundante cromatismo y también oscuridad.

Es también como veremos una comedia febril y muy alocada pues nos retrata la aventura nocturna de un grupo de jóvenes excitados que se han escapado de sus casas y que vivirán una noche bastante intensa en los “bajos fondos “del bosque; Hay que entender que parte de la obra nos presenta la rebeldía de una juventud, la misma que podemos encontrar en otras obras de Shakespeare, como en Romeo and Juliet y As you like it, entre lo que es un mundo adulto y autoritario y el mundo adolescente. Es por esta razón que cabe situar ese bosque mágico donde dos parejas de amantes se refugian como un lugar donde no existan normas. La obra, así, nos presenta una situación dramática con ciertas dosis de excitación y de peligro, donde se mezcla el temor y el deseo, en un entorno donde se agitan fuerzas misteriosas y telúricas, y en cierto modo inhóspitas y nuevas para ellos.

El tema principal es que en Atenas se va a festejar una gran celebración que lleva tiempo esperándose con ansiedad y en la que deben citarse la convergencia de las varias esferas. Aunque el tozudo reclamo de la dura ley por parte de Egeo pueda empañar tal alegre fin. Los Duques de Atenas esperan impacientes la llegada de la luna nueva para festejar su enlace, Oberon y Tinania que representan fuerzas cosmológicas van a reconciliarse y poner a fin a sus trifulcas mito-domésticas, la unión de Lisandro y Hermia será autorizada por el Duque y el padre de Hermia, Egeo , Helena logrará cazar a su ansiado Demetrio, y por cierre de esta celebración unos artesanos con torpeza y humildad, sin medios y escaso talento, pero con tanta ternura y encanto intentarán representar una tragedia que sin predemitarlo será una parodia de una historia trágica de amor. La representación de los artesanos tiene una importancia singular por su extensión dentro de la obra ya que ocupa gran parte del acto V y como acontecimiento estrella de esta celebración del solsticio. Nos preguntaremos que es lo que se festeja. Se festeja el amor en varios niveles de significado. Uno de los creemos que es fundamental y nos muestra el profundo amor de Shakespeare por el teatro.


En Sueño de una Midnight summer´s dream se nos muestra la “química” del amor, con sus pruebas, sus mezclas, sus “estallidos de laboratorio”. El amor está retratado desde varias líneas de acción: el amor sincero, honesto y algo ñoño (Hermia y Lisandro), el amor falso y petulante (Demetrio y Hermia), el amor ciego y ardiente (el que siente Helena por Demetrio), el amor dañado y un poco marchitado que necesita renovarse cíclicamente tras un periodo de crisis (Oberon y Titania), el amor que no ha hallado el momento oportuno para celebrar su rito (Teseo e Hipólita), y por último: el amor al teatro (La representación de los artesanos). De todas las líneas dramáticas, compuestas por las distintas parejas, no sabremos definir cual es la principal pues a nuestro parecer la dramaturgia es a nuestro entender como una caja china que contiene sucesivamente otras cajas más y más pequeñas en su interior. La caja mayor es la que forman Oberon y Titania pues expresan la coyuntura de dos entes sobrenaturales cuyas fuerzas contravenidas por una trifulca de los celos provoca toda una serie de desastres naturales y desórdenes cosmológicos. La segunda es la que representan Teseo e Hipólita pues ambos abren el periodo de festividad en Atenas con sus enlace y mueven a la alegría de los jóvenes. Su enlace formal alberga y custodia las nupcias de los jóvenes amantes. Tercera, es la que nos presenta la trama de los jóvenes Lisandro y Hermia, Demetrio y Helena.

La originalidad y experimentalidad no se hallará en las figuras de su lenguaje, comunes y extendidas en el lenguaje galante y romántico más coloquial: todos hemos oído en innumerables ocasiones de flechas doradas de cupido, flores arrancadas, lunas de plata, cielos estrellados, corazones que arden en silencio, de labios y ojos que hechizan, de suspiros…Su experimentalidad, sin embargo, radica en como Sahkespeare logra na divertida y genial fusión de lo lírico y lo grotesco- La obra nos adentra en las “sinrazones del amor” y los caprichos del deseo amoroso, explorando todas las posibilidades del flechazo. ¿Puede enamorarse una bella reina de un burro? ¿Puede un joven olvidar en un instante una promesa de amor honesto y sincero y enamorarse de otra mujer? ¿Podemos amar a quién más hemos menospreciado? ¿Podemos enamorarnos y desenamorarnos de manera tan instantánea como entrar y salir de un sueño? En esta historia de flechazos instantáneos bien podríamos haber tenido otras posibles combinaciones, y es muy divertido imaginarlo: ¿que pasaría si Titania despertase del hechizo y se encontrase con Lisandro o Demetrio?, ¿ podemos imaginar una Titania encaprichada con Hermia y Helena, o un flechazo entre Demetrio y Lisandro? Esto nos hace observar las múltiples variantes que podría haber tenido la obra en su forma y contenido.

Quién mejor define cual es el género preciso de nuestra obra es el propio Puck al observar traviesamente los divertidos resultados de sus hechizos sobre los jóvenes. para este personaje se trata de un “disparate bufo” (p.100), u Oberon que define este conjunto de visiones como una “ilusión absurda” (p.104). En cuanto a su género híbrido esta afirmación de Puck es la más acertada que hemos encontrado y nos da una pauta a seguir. Como comedia disparatada finaliza pues con un gran disparate teatral: lo trágico quedará contenido en el círculo meta teatral de una parodia en la representación de “la cruel y trágica historia de Píramo y Tisbe” por los artesanos.



6. La dramaturgia del color


“Si las formas animadas del color continúan siendo poetencias anímicas ardientes o pálidas, si son creadas, no sobre el eje que va de los objetos a la pupila, sino sobre el eje de la mirada apasionada que proyecta un deseo o un amor, se convierten en matices de ternura. Así es como Novalis puede escribir: -Un rayo de luz se quiebra en colores y en algo más que en colores. Al menos, el rayo de luz es susceptible de poseer un alma, de manera que el alma se quiebra en colores anímicos”. (PF: 79)

“El poeta no tiene que traducirnos un color, sino hacernos soñar un color” (AS: 203)


Como obertura de nuestro estudio comenzaremos analizando uno de los principales espacios de la ensoñación de toda la obra de Shakespeare y nos detendremos a analizar el fenómeno cromático. Trataremos el siguiente oxímoron: para captar lo efímero del color hay que captar lo efímero de la emoción. Todos los colores en la imaginación componen el espectro fenomenológico de la pasión. O en una sentencia menos intelectualizada defenderemos una idea: “para ver el color hay que estar un poquito enamorado”. A los ojos del amante el color resplandece con cualidades insospechadas
[1]. El sentido visual del que continuamente menospreciamos en nuestra tesis sus virtudes a una imaginación activa, podrá ser tratado y valorizado en una “estética del flechazo”, En este sentido hicimos un censo de los datos cromáticos, sensaciones visuales que nos muestren una “paleta cromática”, no ya como datos de interés a la posible traducción que del texto pueda hacer el posible escenógrafo que quiere pintar su decorado lumínico para situar dentro de él la acción de los personajes. No era esa nuestra intención. De hecho, un análisis detenido de los datos cromáticos nos lleva a la conclusión de que estos datos son una paleta restringida. No hay más color en Midnight summer´s dream que en otras obras de Shakespeare[2]. ¿Entonces surge una pregunta? Porque ante nosotros, lectores, se nos aparece un mundo hermosamente cromático. Queríamos explicar que es lo que entendemos por lo que denominamos la “cuarta dimensión del color”, no solo la que estudia el color en –el tiempo y en el espacio-, vamos a decir tridimensional-, sino la de su “dimensión imaginaria”, la que se proyecta en la mente, la del color ruborizado por la pasión.

Aunque Gaston BACHELARD no dedico un libro exclusivo para explicarnos las imágenes poéticas del color, la atención dedicada del filósofo francés a los pintores es recurrente en sus obras
[3]. Los pintores y los poetas son a su entender grandes fenomenólogos. En una fenomenología del imaginario (BACHELARD) el color no solo remite a la superficie de las formas, a la variedad lumínica de su intensidad, tono, sino a los valores de profundidad. En los ensueños del color comprenderemos cualidades a menudo obviadas de nuestra experiencia poética del color como son la frescura, la densidad, la aspereza, su fluidez, su tersitud, su materialidad. Defenderemos que toda dimensión imaginaria del color es una dimensión de profundidad frente a la experiencia del color plano, lumínico y estrictamente cromático, que es la que se enseña en los programas curriculares de escenografía, derivados de una teoría de la Gestalt. El “color no es una cualidad más en el devenir de las formas en el espacio y en el tiempo, penetra en nuestro ser y pervive en la dimensión de lo imaginario.

“Entonces, una vez que la imaginación ha puesto en nosotros la más atenta de las sensibilidades, nos damos cuenta de que las cualidades no son para nosotros tanto estados como devenires. Los adjetivos calificativos vividos por la imaginación –y cómo se vivirían de otra forma- están más cerca de los verbos que de los nombres Rojo está más cerca de enrojecer que de rojez. El rojo imaginado se hará más oscuro o más pálido, de acuerdo con el paso de onírismo de las impresiones imaginarias. Todo color imaginado se convierte en un matiz frágil, efímero, inasible. Tantaliza al soñador que quiere fijarlo”. (BACHELARD, 2006: pp. 106-107)

El color se proyecta en el orden de los sentimientos y las pasiones. El germen de nuestros colores será la tiniebla. El color imaginario casi siempre procede de las simas de las profundidades. La experiencia del color es la que más pronto desaparece de nuestra memoria sensorial cuando no llega a hender la imagen, cuando nos lo da todo en el orden meramente visual. El color profundo, que desprende olores, amasado por las manos, táctil, el color proyectado en el orden de los cinco sentidos puede perdurar en los asilos de la memoria. Por esta causa para guardar el color juvenil de la rosa húmeda con el rocío hay que oler la rosa, percibir su frescor y su dulzura, como el rostro juvenil “visto” con todos los sentidos queda sellado y protegido del olvido por un verso.

En Midnight summer´s dream vamos a estudiar el campo cromático desde dos ejes: uno el de profundidad lo que nos introducirá en un entorno vegetal , húmedo fresco por un lado, y por otro prestar atención a un protagonista lumínico esencial en esta obra: la luna. La mayoría de escenas suceden por la noche, una noche de verano como muy bien lo dice el título de esta obra. En otro eje vamos a hablar de la composición ya que los dos grandes entes que representan las fuerzas cosmológicas, Oberon y Titania, fundamentan el esquema compositivo dentro del cuál sucede la acción. Oberon cumple un “valor” en la composición del imaginario cromático desde el momento en que es el esposo iracundo y celoso de una dama suntuosamente cromática y sensorial como es Titania, que analizaremos en nuestro ensayo, y como deja bien claro a Puck no se confina en la negrura, sino que coquetea con la luz y el color “a la diosa del día le he hecho la corte y, cual guarda bosque, voy por la floresta hasta el portal de Oriente despierta rojo en el océano y, con luz radiante. En oro se convierte los verdoso mares” (p.110). Esta observación en la contraposición de los valores “graves, inquietantes, telúricos y la exuberante y sensual cromaticidad del áurea de Titania, nos está definiendo el esquema básico de la “composición sensorial” de la obra, y por tanto de los valores más formales de su composición visual que puedan derivársele. Pero prestemos atención a esta contraposición básica de la obra SOMBRA, NEGRO, NOCHE, FRÍO, ÁSPERO / COLOR, FRAGANCIA, CANDOR, MANJAR.

Veremos como en la alianza amorosa hay un justo efecto cromático de complementariedad de fuerzas: la razón y la pasión, inteligencia y fuerza, terquedad y tolerancia. Esta suma de contrastes antitéticos en los propios sentidos está muy bien reflejado en un parlamento de Romeo sumando dos cualidades antagónicos en ilógica suma, así nos dice que el amor es odio/amoroso, locura/juiciosa, grave/levedad, seria/ vanidad, caos deforme/ de formas hermosas, pluma/ de plomo, fuego/glacial, salud/ enfermiza/ sueño/ desvelado, presencia gentil/ duro y despiadado (p. 50). Además podremos entender la relación íntima de lo cromático con llamémosle dos “estilos de composición” que desarrollan todo un amplio abanico de mezclas y uniones fantasiosas: lo lírico y lo grotesco.
[1] Véase Arheim, Rudolf. Arte y percepción visual. Madrid. Alianza forma. 1993: “La emoción nos alcanza como el color”. p. 369; Stanislavski, Op. Cit: 1988. “Cuanto más tierno y mas lírico es el amor, tanto más fuerte ha de ser el color, el tinte espiritual que lo caracteriza”. p. 147.

[2] La búsqueda de los datos cromáticos en una primera indagación en el texto son bastante escasos en referencia a los nombres que nos remiten directamente a colores (rojo, amarillo, azul y las distintas variaciones del espectro). Hacemos una relación de esta paleta tal como ha sido recogida tras la lectura, así aparecen tales palabras: plata o plateado (p. 59) (p. 67); oro o dorado (p. 65) (2p.71) (p.73) (p.110), verde o verdoso (p. 66) (p.76) (p. 110) (p.137) , carmesí (p. 71) (p. 76) , color paja ( p. 71), canoso (p. 76) , blanco o blancor ( (p. 78) (p. 101) (p. 137), purpúrea (p. 78) (p. 94) , violeta (p.81), negro (p. 82) (p. 93) (p. 105) (p. 109), azafranado (p. 93), rojo ( p. 110) (p. 114).

[3] Aconsejamos la lectura de un capítulo de esta obra, BACHELARD, Gaston. El materialismo racional. Paidós. Buenos Aires. 1976. Cáp. VII. “El racionalismo del color”. pp. 299-319.

Proyecto Macbeth: una dramaturgia de la oscuridad





Esculpir la oscuridad. MACBETH. Desiertos de tinieblas.
(2008)

"Es infernal la iglesia. Pero de todos modos es mejor el demonio en el teatro".


A) Justificación del montaje y características (todas las entidades) 3
1.1. Marco general 3
1.2 Idea original 3
1.3. Antecedentes. 4
1.4. Objetivos. 4
Objetivos globales. 4
Objetivos específicos. 4
1.5. Destinatarios y difusión. 4
1.6. Desarrollo y calendario de actuación. 5
1.7. Localización del trabajo de producción. 5
1.8. Formar un equipo de trabajo e investigación. 5
1.9. Presupuesto de la producción: 6
Preprodución. 6
Producción. 6
Postproducción. 7
2. Pago del último recibo del impuesto de actividades económicas IAE.. 9
3. Número de cuenta bancaria: 9

B) Como entidad que se inscribe por primera vez a estas subvenciones. 9
1. Identificación fiscal y DNI de la persona que hace la solicitud. 9
2. Escritura de constitución, estatutos sociales de la sociedad. 9
3. Currículum vitae del director 10

C) Anexos y dossier temático. 12
Macbeth / Introducción. 12
La oscuridad en Macbeth. 13
Los valores de lo oscuro: la sombra, la penumbra, las tinieblas, la oscuridad y la negrura. 13
Luz mínima/luz máxima. 14
Rey Duncan: aureola de plata y oro. 15
Ver y no ver 15
Inverness: arquitectura que esculpe lo oscuro. 15
La poética de la oscuridad. 16
Maquetas y laminas. 17




1.2 Idea original

En este proyecto vamos a incidir de nuevo en el “no ver”, en el cese de toda luz. No ver y no decir nada parece ser el primer paso para una experiencia teatral. No ver y no hablar parece la forma más sugerente de llegar a contar una historia. En esta ocasión nos detendremos más a fondo en los cualitativos valores de la oscuridad: la tiniebla, la penumbra, la sombra y la negrura. A partir del imaginario de Macbeth (aunque también trabajaremos con otras obras como “Los ciegos” de Maeterlinck) y tomando los imaginarios nocturnos pretendo “esculpir la oscuridad” en un cubo de sedas, con metales y espejos, con el objeto de motivar una experiencia del “cuerpo ciego”. Una arquitectura donde componer los planos de la sombra sobre la sombra.
Para ello quiero construir un gran cubo de sedas que voy a diseñar, pintar con una técnica específica, componer y coser para realizar un escenario itinerante

Con este ejercicio, quiero dejar bien claro, no pretendo crear una escenografía ilustrativa o un decorado llamémosle teatral.

En esta primera fase del proyecto atenderemos a los valores del espacio de la oscuridad, sus matices, la experiencia misma de ver y sentir en la oscuridad. Este será el primer paso al mundo de los objetos y a la geografía más bien tortuosa de los cuerpos atrapados por las redes de lo telúrico, la obsesión y el destino. Desde este espacio podremos descubrir como se articula esas frágiles dimanaciones de luz en destellos y pavesas; como la oscuridad acoge colores desconocidos y materias sutiles; como el gesto es la extensión de una sombra incluso más material que el propio cuerpo; como se puede ensombrecer una palabra.

Nos acercaremos tangencialmente a los teatros de tinieblas sobre todo al butoh, a los teatros del misterio y de la noche…

Quiero dejar bien claro que no voy a trabajar con el miedo, la violencia o las atmósferas del terror sino aspectos más interesantes para la imaginación como la percepción azuzada por la curiosidad, la lentitud que imprime los sentimientos de melancolía, las atmósferas de soledad. Es por esta razón que no recalaremos en toda su profundidad la grave cuestión moral de nuestro principal objeto de inspiración aunque nuestra propuesta pueda ser acusada como una realización estética. Con este trabajo comenzaremos a trazar las diferentes variantes de las poéticas de la oscuridad.

El proyecto se dividirá entre fases.

FASE 1) Espacio: “esculpir la oscuridad”
FASE 2) Dramaturgia “Danzar en las tinieblas”
FASE 3) Escenificación: “Dramaturgias de las sombras”

Con la a presente subvención se va a realizar la primera fase y como resultado final dará ligar a una instalación itinerante. Nuestro objetivo es crear un espacio meditativo donde las personas puedan tomar distintas posturas perceptivas. Este será el primer paso antes de rasgar la oscuridad con la plasticidad de las acciones, antes de albergar las sombras de los cuerpos, la palidez de las máscaras y la artesanía de los objetos simbólicos. La formalización del proyecto tratará de materializar en un cupo de sedas diferentes recorridos por un espacio, proponer diversas perspectivas a la visión inquieta. Antes de cualquier experiencia del gesto y de la acción buscaremos la emoción misma del espacio, en su forma silenciosa y en la elocuencia misma del vacío.


1.3. Antecedentes

Los antecedentes del proyecto surgen de varios referentes

Artísticos:

El teatro de los sentidos
[1] es una compañía de larga trayectoria internacional establecida en Barcelona que lleva más de diez años trabajando en nuestro país. Su trabajo artístico se centra en la imagen sensorial y por medio de la exploración de los sentidos abren vías poéticas para contar historias y proponer unas experiencias. Su búsqueda teatral incide en las raíces antroposimbólicas de los relatos y para ello crean una especie de trayectos sensoriales, “viajes” por un enjambre de espacios en penumbra. Dos son las bases de su trabajo: la utilización del silencio y la oscuridad: pues no es un teatro de imágenes visuales, y tampoco es un teatro de la palabra pues ésta se minimiza a lo esencial .

Lev Nusberg
[2] y su grupo Dvizjenic: artista soviético conocido en los años setenta por sus complejas instalaciones plurisensoriales. Su trabajo no muy conocido en nuestro país trata de implicar al espectador en serpenteantes espacios sensoriales de dimensiones tan considerables que pueden ser tomados como verdaderas propuestas de un urbanismo lúdico.

Asdrúbal Colmenárez : Representante de un arte con un discurso interdisciplinario, a través de su trabajo muy personal, establece mediante las imágenes construidas y fragmentarias, una atención a los valores lúdicos y sensoriales. Entre sus últimos trabajos se encuentra su lectura de “Penas de Amor Perdidas” de Shakespeare que realizó con su colección de juguetes.

Lygya Clark: También dentro de nuestros referentes se encuentra la obra de madurez de Lygya Clark y los objetos relacionales, que así se llamaban, destinados a producir, al ser aplicados periódicamente sobre el cuerpo una serie de cambios psíquicos, una liberación, al menos temporal, de las constricciones habituales de las respectivas estructuras psíquicas.

Intelectuales:

En el campo del pensamiento cabe destacar los trabajos muy sugerentes e inspiradores de Gaston Bachelard sobre la imaginación creadora


1.4. Objetivos
Objetivos globales

Visibilizar los discursos del arte teatral en el conjunto de manifestaciones del arte contemporáneo y sus nuevas tendencias.
Conocer y divulgar los textos clásicos como imaginarios llenos de valor en nuestra época.
Contribuir con herramientas exploración del texto dramático y su puesta en juego.
Comenzar a asentar un ramillete de poéticas o repertorio
Vincular la actividad investigadora, el área de enseñanza y la actividad profesional en un marco de proximidad y complicidad común trazando caminos de sinergia.
Desarrollar un trabajo de la que se derivan ya unas implicaciones para una pedagogía de la literatura y el arte.
Fundamentar nuevos caminos de lectura escenológica de la obra de Shakespeare.
Proporcionar vocabularios, experiencias, realizaciones que alumbren esas otras poéticas de la puesta en escena.

Objetivos específicos

Descubrir aspectos insospechados de una imaginación sin imágenes (visual)
Reconocer los valores del espacio ensombrecido, en penumbra.
Hacer atractiva y novedosa la visión que se tiene de un clásico
Articular propuestas divergentes a las convenciones tradicionales de escenografía y puesta en escena por otras más procesuales no derivadas por los imperativos del mercado.

1.5. Destinatarios y difusión

El proyecto trata vincular el área de investigación desarrollado en la universidad con los profesionales tanto del campo artístico-teatral. El proyecto está dirigido a todas aquellas personas interesadas en el teatro y el arte y en especial a quienes estén interesadas en las obras de Shakespeare. La difusión del proyecto se hará a través de varios canales:

La difusión a través de un programa anual “expositivo” en espacios universitarios (Facultades de Arte dramático y Bellas Artes), centros culturales con sala de exposición, festivales dedicados al arte escénico abiertos a propuestas menos convencionales, las que manifieste oportunas teniendo en cuenta la “factura especial del proyecto” el Intituto municipal de cultura de Burgos, etc. Además de la instalación itinerante , conviene para la optima difusión hacer una tirada de carteles.

Una serie de trabajos escritos, material gráfico que serán difundidos a través de varios formatos: documentos escritos que seran donados a los fondos bibliográficos de varios centros universitarios, y diseño de blog/ página web específico para el proyecto.
[1] www. teatrodelosssentidos.

[2] http://kkk.plus.nm.ru/nussberg1. htm. En esta página web se pueden hallar algunas de sus hermosas cartografías e ilustraciones de sus proyectos. Alguna sucinta referencia se puede consultar en (1980) Popper, Frank. Arte, acción y participación. El artista y la creatividad de hoy. Akal, Madrid.

Proyecto escénico The Tempest: una polífonía de los sentidos



Cuando en el año 2006 voy a conocer al Teatro de los sentidos y a su director, Enrique Vargas, voy a acariciar la idea de que se podría explorar ciertos universos dramáticos desde una poética de los cinco sentidos. Mi propuesta final después de unos talleres en El Polvorín de Montjuic era adentrarse en una gran obra de la literatura dramática, The Tempest, pues veía correspondencias y paralelismos entre el trabajo de esta compañía y mi tesis sobre la Tempestad. Hubo una insinuación por parte de Enrique Vargas de crear un centro de investigación. Yo le enseñé algunas de las lecturas sensoriales que había hecho sobre la obra de W. Shakespeare para ser volcadas en una formulación escénica.

En aquel momento nadie me hizo caso. Tomar un gran clásico abruma un poquito a la gente. Yo siempre defiendo que no hay que temer a los clásicos. Hay que adentrarse en ellos con humildad y, sobre todo, con constancia y trabajo.

Años después me encontré con un tallerista que había tomado esta idea que propuse. Me sorprendió. ¿Por qué nadie se atrevió a trabajar esta idea en su día? ¿Si sabéis que llevo varios años trabajando esta lectura escénica de La tempestad cuál ha sido la razón de no llamarme?

Hay personas que toman, pero no dan...hay que tener personalidad teatral, criterio intelectual, y constancia en el trabajo

He decidido, en parte, crear este blog, pues es un medio de difusión de mi intenso y riguroso trabajo. Las ideas no surgen de la nada, surgen cuando se trabaja largamente en ellas.

Si alguien se siente incitado en realizar The Tempest como una polifonía de los sentidos sabed que yo tengo los instrumentos alquímicos y los libros preciosos de la magia...mi isla viaja conmigo....el tirso está en mi mano...y lo sembraré allí donde merezca ser sembrado.




Poética de los sentidos en La Tempestad de Shakespeare.

Denominación del proyecto:

La poética de los sentidos en la Tempestad de Shakespeare: Auditum e imaginética.


“Cuando se interpreta un texto de una civilización desaparecida, lo que habría que reconstruir serían esas ensoñaciones. No sólo habría que pesar los hechos. También habría que determinar el peso de los sueños. Ya que en el orden literario todo es soñado antes de ser visto, aún la más simple de las descripciones”.

Bachelard, Gaston. El agua y los sueños. Fondo de cultura económica. México. 1988. p. 207


La Tempestad cierra el corpus dramático de Shakespeare para hablarnos sobre la necesidad de la benignidad y la templanza sobre las fuerzas difusas y caóticas de la corrupción y la malevolencia. La Tempestad es la obra más simbólica y la que se resiste más a una representación literal.

Curiosamente hemos comenzado para hablar de la poética de los sentidos en la obra de Shakespeare por La Tempestad. La Tempestad es un tratado sobre la imaginación y las fuentes nutricias de lo poético. La Tempestad puede ocurrir en el interior de una taza de té, en tu propia habitación. Los grandes viajeros no salen de sus casas. La Tempestad hace resurgir las aguas profundas del psiquismo y del “alma”. “Estamos hechos de la misma materia que nuestros sueños” dirá Prospero en la obra. ¿Entonces dónde podríamos situar esta isla sin nombre sino en una conciencia que sueña? Mi trabajo de investigación viene a demostrar que los caminos del alma son los sentidos y que la sutil alquimia de Prospero es un juego con el psiquismo de las profundidades

Antecedentes

Los antecedentes surgen de unos talleres realizados por El teatro de los sentidos en Barcelona sobre poética sensorial y de mis trabajos de investigación sobre poética teatral en el doctorado. La poética sensorial frente a la cultura y la tiranía de la imagen ha sido desarrollada en el arte contemporáneo. Entre los artistas me interesa los trabajos de Lev Nusberg y su grupo Dvizjenic y sus entorno pluriartísticos), Asdrúbal Colmenárez , los trabajos sensoriales de la artista Lygia Clark. En el campo del pensamiento por ciertos analistas críticos de literatura, entre ellos cabe destacar los trabajos de estética literaria de Gaston Bachelard.


Objetos oníricos

Libros oníricos







Espacios oníricos





































Personajes oníricos








Proyectos tentativas sobre el teatro

Mi trabajo estos años trata de estudiar en profundidad un corolario de obras dramáticas, con el fin de crear un teatro de repertorio, pero no como es habitualmente entendido en la denominación de un teatro clásico. La obra dramática, herencia de una época genuinamente teatral, debe ser considerada como un material de primer orden en la aventura artística. No buscamos en ella un prestigio por el solo hecho de estudiarla y representarla en escena, el reto es comprender más si cabe, la antigüedad de la imaginación.

Con repertorio me refiero a la forma en como somos capaces de ensanchar nuestro imaginario teniendo muy cerca esos testigos mudos que son las grandes obras dramáticas, como habitamos dentro de ellas y llegamos a interiorizarlas, entonces son como una linterna con la cual enfocamos las zonas oscuras de la realidad demasiado rápida y confusa. Son cartografías de nuestra vida plena e imaginaria.

Con esta finalidad y esta fidelidad intento servirme de todas las herramientas de interpretación del texto que están a mi alcance. En la escuela del drama me han enseñado a analizar el texto tal como lo hace un actor, he observado como estudia un texto dramático un director de escena, en la universidad me han enseñado otras herramientas de lectura más ásperas y arduas pero necesarias. Leer es hacer Hermenéutica. Cada forma de leer nos proporciona un tipo de resultados, una manera de interpretar.

Para mí, la más gratificante de todas, sin duda, es tomar la obra dramática como un juguete de la intuición creadora. Me divierte jugar con el texto de mil formas diferentes: escribiendo y recogiendo citas de libros, pintando láminas de luces, componiendo espacios insospechados en mi pequeño cuarto, coleccionando recortes de periódico donde encuentro paralelismos entre personajes dramáticos y las historias de la vida real, guardando viejos objetos que encuentro en mi paso . La expresión es una sinergia entre lo pensado y la gracia de lo trouvé y lo azaroso.

Yo llamé en un comienzo tentativas -algo que puede llegar a ser- a ese laboratorio de sencillos juegos que se pueden probar en una sencilla mesa, en un rincón de casa, teniendo una simple hoja de papel. No teniendo los llamados instrumentos teatrales, ni teatro, ni actores, ni escenografía, me afirmé en una soledad donde es posible también imaginar, plasmar y descubrir. El teatro que veía en los escenarios, mi propio teatro, lo que me enseñaron que era el teatro, me pareció a todas luces defraudante. Una experiencia anquilosada y superflua. Nos es necesario en nuestra época de aburrimiento teatral sostenido volver a las catacumbas de Tadeusz Kantor y recuperar el brillo de las pupilas.

Actualmente estoy estudiando el corpus de obras de Shakespeare, con instrumentos hasta ahora novedosos que provienen de una filosofía de la imaginación. Esta filosofía rescatada procede de los libros tan sugerentes de Gaston Bachelard, obra de la que soy un profundo conocedor. No se ha incidido mucho en los estudios teatrales el gran valor que nos puede aportar una ciencia del imaginario. En un sucinto trazo esta filososfía nos demuestra que no se trata de construir imágenes sino crear y creer en los movimientos de la imaginación. Imaginación no será entonces imagen más que movimiento de la imagen, evasión de las imágenes, ausencia de las imágenes.


La obra de Shakespeare, como enclave central de todo buen repertorio teatral, he descubierto que podemos interpretarla como una gran constelación sensorial: De esta manera intentamos albergar los diferentes regímenes del imaginario como si fuera un collage de piezas que encajan en una cartografía formada por con diferentes territorios, cada uno extendiéndose como un campo de valores.

Es así que la obra de Shakespeare nos muestra desiertos de tinieblas, islas donde flotan sonidos extraños al sensorium, países en los que la música suena como un fondo melancólico, territorios de sangre y lágrimas, bosques cromáticos, parajes de silencio, palacios de oro y barro.

Es así como me imagino un teatro de repertorio, como un collage de diferentes entornos de los sentidos donde podemos experimentar y jugar con nuestra contemplación. Se podría barajar un día un proyecto que fuese un enjambre de espacios conformado por las tinieblas de la noche fría de Elsinor a los días tenebrosos de los páramos de Inverness, los territorios cromáticos del bosque de Atenas hasta la isla bienaventurada y dorada de Belmont, quizá le sorprenda un día con mapas de ciudades más imaginadas que reales, Mantua, Venecia, Chipre, Verona…Pero diremos que esa cartografía está lejos de ser una mitografía, para rescatarla hace falta inscribir en ella la novedad y singularidad de nuestro actos.

Sin tomar las clásicas ordenaciones cronológicas o de género creo que podemos ordenar este corpus de manera bien diferente como una rosa de cinco pétalos, una rosa de los cinco sentidos. La obra de Shakespeare es una cosmología antroposimbólica con la que acercarse posiblemente a las fuentes de la literatura occidental, y por tanto, nos permitirá acercarnos al imaginario de sin número de obras dramáticas en el futuro.

Así que explicado el marco general de mi investigación que se desenvuelve en el ámbito de los estudios universitarios como en el ámbito artístico pasemos ahora a explicar el proyecto concreto para el que se pide esta subvención. Primero explicando la fase o la realización material para la que solicitamos esta subvención. Segundo donde se enmarca esta realización en un conjunto de iniciativas para las cuales, como veremos más adelante, necesitan el apoyo de más instituciones. Finalmente una exposición temática como anexo al proyecto de la poética que deseamos inicialmente desarrollar.